Descargar esta ponencia como archivo "MS Word"

GOYA

Don Francisco de Goya y Lucientes, nacido en Fuendetodos (Zaragoza) el 30 de marzo de 1746…

Goya realiza este cuadro en 1814, terminada la guerra de la Independencia frente a las tropas napoleónicas, todavía no ha regresado Fernando VII "El Deseado", por lo que se dirige a la Regencia manifestando "….Su deseo de perpetuar por medio del pincel las más notables y heroicas acciones o escenas de nuestra gloriosa insurrección contra el tirano de Europa…" Al mes siguiente se le concedía la ayuda para la realización de los cuadros que compondrían la serie. Se piensa que cuando en el mes de mayo de 1814, Fernando VII regresa a Madrid ya tenía realizados 4 de la serie que habría sido más amplia de no haberse implantado nuevamente el absolutismo. De los 4 cuadros hoy sólo se conservan El dos de mayo de 1808 en Madrid o La Carga de los Mamelucos y Los Fusilamientos de la Moncloa, ambos en el Prado.

Goya, liberal, afrancesado, pudo ver con buenos ojos muchas de las medidas adoptadas por los franceses en la península (supresión de la Inquisición, secularización de la ordenes religiosas), pero sin embargo quedo absolutamente traumatizado, desesperanzado, por las consecuencias de la guerra en la península: la muerte, la miseria, el hambre, la destrucción de pueblos y ciudades determinaron buena parte de su obra en esta época, en concreto Los Desastres de la guerra recogen con una veracidad y un dramatismo brutal el estado de animo del Goya cronista. Es significativa la primera lámina y su título:

No sólo su estado de ánimo queda marcado por la guerra, en realidad la serie de Los Desastres serían el punto de partida para la serie de óleos que se plantea hacer una vez concluida la guerra. Sólo se conservan los dos que hay en el Prado, pero en ellos se repiten figuras, apuntes de lo que parece haber, en algunos casos, tomado del natural.

El dos de mayo de 1808, los madrileños se alzaron contra el invasor (Carga de los mamelucos) y al día siguiente, al amanecer, todos los que habían sido detenidos, fueron ajusticiados, sin juicio alguno, por orden del mariscal Murat. La localización de la represión se ha situado en los altos de la Moncloa, y algunos dicen que ocurrió en la Montaña Príncipe Pío. Los edificios que se ven al fondo no pretenden reconstruir ninguna construcción de la época, el único elemento que puede hacer referencia a una ciudad real es la torre que se ve en último término en medio de la oscuridad, probablemente fuese la que pertenecía a la iglesia de S. Bernardino.

El protagonista, por primera vez en la Historia de la pintura, es el pueblo, la masa anónima que se convierten en héroes, ese protagonismo de la gente de la calle es ya una concepción totalmente romántica, y una forma nueva de entender la guerra.

En la composición del cuadro hay dos grupos enfrentados y contrapuestos el de los fusilados desordenado, tremendamente expresivo y el de los soldados en perfecta formación, pero terribles ya que están matando a otros semejantes, y entre ellos la columna de presos que se pierde en la lejanía

a.- el pueblo de Madrid, el grupo es totalmente heterogéneo, hombres toscos, vulgares, harapientos, un fraile…., probablemente algunos de ellos ni siquiera estaban participando en el levantamiento, eran simples espectadores, o pasaban por allí y ahora se encuentran enfrentados a un pelotón de ejecución y lo que nos plasma Goya es la reacción individualizada ante la muerte inmediata, el cadáver de primer término, de bruces en un charco de sangre, deja claro su destino. El fraile, arrodillado, aprieta las manos en actitud suplicante, justo encima de éste, un rostro con los ojos totalmente abiertos mira hacia arriba, detrás, otro con los puños cerrados se tapa las orejas, como si no quisiese oír la descarga, otro, al fondo, se tapa la cara no queriendo ver a los verdugos, la victima central, destacado por su camisa blanca, levanta los brazos con una actitud desafiante ofreciendo el pecho a los soldados, pero su valentía ya no sirve para nada, está ya muerto y lo sabe, sus rodillas se riegan con la sangre de los que anteriormente han sido fusilados y sus cuerpos yacen en desorden.
En medio de los dos grupos la columna de presos se prolonga hasta la ciudad, los que están esperando su turno muestran también su miedo, entre las bayonetas hay un hombre que se está clavando los dedos en los ojos, a su lado, de gris, el miedo se dibuja en unos ojos aterrorizados y se muerde las uñas como un niño.

b. los soldados. No vemos sus rostros, pero no importa su eficacia es absoluta: están perfectamente alineados, pertrechados con su uniforme, los petates y la espada, empuñan sus armas con la bayoneta calada, prestos a matar, es para lo que han sido entrenados. Frente a la individualización del grupo de madrileños, los soldados son verdugos anónimos, máquinas de matar que ejecutan órdenes, pero que en un momento determinado, al ser también hombres del pueblo, se pueden convertir también en victimas de esa guerra.

Todo en el cuadro contribuye a acentuar el dramatismo de esa muerte, la negrura del cielo, que domina el tercio superior del lienzo, imprime carácter tétrico a la escena. La proximidad de las bayonetas a las victimas nos hace pensar en el tiro a quemarropa, las fantasmagóricas sombras intensifican el terror de los rostros.

Es un cuadro que rompe con el neoclasicismo de la época, nos muestra la Historia como una carnicería, la naturaleza como el marco en el que se produce el horror, la ciudad duerme ajena a la matanza, no hay lugar para la belleza, para el academicismo.

ACTIVIDADES

LOS FUSILAMIENTOS de F. Goya

En este cuadro Francisco de Goya plasma el fusilamiento de patriotas españoles en la montaña Príncipe Pío, la madrugada del 3 de mayo de 1808.

Para comprender el cuadro puedes seguir estas pautas:

1. Descripción:
   1. ¿Qué representa la escena? ¿Dónde y cuándo se produce?
   2. En la escena hay dos grupos protagonistas, ¿A quienes representan cada uno de ellos?
   3. ¿Cuándo suceden los hechos aquí representados?
2. Análisis de los personajes:
   1. ¿Cómo están representados los soldados franceses?, ¿cómo van vestidos, armados…? ¿Por qué crees que el pintor los representa de espaldas y formando una masa anónima?
   2. Observa el grupo de los patriotas: ¿Forman un sólo grupo o varios? Razona la respuesta.
   3. Los que van a ser inmediatamente fusilados reflejan en sus rostros su reacción ante la muerte: Observa a cada uno de ellos y describe como el pintor individualiza sus gestos.
   4. El hombre de la camisa blanca, levanta los brazos, ¿Qué crees que traduce esa postura?
3. Interpretación:
   1. ¿Qué pretende denunciar Goya en esta pintura?
4. Contexto histórico:
   1. Sitúa la obra en su momento histórico y relaciónalo con la invasión de las tropas napoleónicas de la península Ibérica

LOS DESASTRES DE LA GUERRA

De Francisco de Goya y Lucientes

82 Estampas realizadas entre 1810 - 1815
Publicados por primera vez en 1863, por la Real Academia de San Fernando.
Técnica: aguafuerte, aguatinta, punta seca y buril

Se puede acceder a los Desastres completos, y técnicas de grabado en las siguientes direcciones:

• http://Goya.unizar.es
• http://www.bne.es/Goya/home_goya.html

Goya vivió la guerra tanto en Madrid como en provincias, viajó a Zaragoza invitado por el General Palafox para que viera las consecuencias del sitio de la ciudad (entre octubre de 1808 y los primeros meses de 1809)

Los desastres de la guerra son de la misma época que sus dos famosos cuadros La carga de los mamelucos y Los fusilamientos de la montaña Príncipe Pío, probablemente algunas de las figuras, de las actitudes de los grabados son punto de partida para los lienzos.

La tremenda impresión que le produce la guerra marca su producción artística. Si sólo se contemplan los dos lienzos del Prado, se puede pensar, que al ser cuadros que él hace para recibir a Fernando VII, se exalta el patriotismo, la heroicidad de la nación levantada en armas contra el invasor; nada más lejos de sus sentimientos ante la guerra desencadenada por la invasión de las tropas napoleónicas.

En los Desastres, Goya deja patente, tanto en los dibujos como en los títulos que pone en las estampas, que la crueldad de los hombres, franceses o españoles, es la misma.

Desde el principio nos deja clara su intención. En la estampa 2 (Con razón y sin ella) los ejecutores son los franceses y las victimas los hombres del pueblo y en la 3 (Lo mismo) invierte a los protagonistas, aquí los que corren peor suerte son los franceses y los españoles son los ejecutores, es un sistema que usa reiteradamente en la serie.

Los protagonistas van a ser el miedo, los distintos tipos de muerte (fusilamiento, ahorcamiento, empalamiento, linchamiento), el robo, la violación, la tortura, el hambre, la muerte, el entierro, la huida, la falta de solidaridad de algunos grupos sociales, la injusticia de las leyes, el cinismo del clero

La colección está estructurada en partes:

1. La estampa introductoria.
2 – 47. Los horrores de la guerra
48 – 64. El hambre en Madrid, 1811 -1812
65 – 80/82. Estampas alegóricas o caprichos enfáticos

Las armas han cambiado, también los protagonistas, pero los resultados de las guerras actuales siguen siendo los mismos. Si comparamos las fotografías de las guerras de los últimos años con los grabados de Goya nada ha cambiado.

ANEXO I
Actualidad de los desastres a través de la obra de los artistas británicos Jake & Dinos Chapman

DESCUBRIR EL GUERNICA

Descubre El Guernica,(1.937), de Pablo Picasso. Óleo sobre lienzo (3,50 x 7,7 m.) Museo de Arte Contemporáneo Reina Sofía. Madrid

Alguna vez has visto este cuadro, y probablemente, te has preguntado:

• ¿Por qué es un símbolo contra la guerra?
• ¿Por qué es tan importante este cuadro en la pintura del siglo XX?
• ¿Quién era Picasso?

La primera vez que ves el cuadro puede que no te guste ni te impresione, incluso que sientas agobio, porque a pesar de sus dimensiones pude producir sensación de caos, de recargado o barroco. Ahora vamos a verlo globalmente, en detalle y su contexto, todo ello te ayudará a que lo comprendas y, tal vez también, a que te guste.
Puedes establecer el orden que tú quieras para los tres apartados de las cuestiones

Mirar y ver

1. Si lo miras por partes, verás que el cuadro esta estructurado en un TRÍPTICO.

Localiza en el cuadro:

2.También puedes dividirlo en dos, la lámpara de aceite divide la secuencia en dos cuadrados, los que a su vez se dividen en dos rectángulos

En realidad con este ejercicio has visto como el pintor organiza el espacio en el lienzo, todo, hasta el mínimo detalle, responde siempre a una planificada composición

3.¿Ves alguna otra cosa que te llame la atención?
4.¿Es de día o de noche?
5.¿La escena se desarrolla en un interior o en la calle?
6.¿De dónde procede la luz?
7.¿Qué colores usa el pintor?
8.Las mujeres, el caballo parecen dirigirse hacia la izquierda, hacia la mujer con su hijo muerto entre los brazos, ¿Qué hace ésta?
9.Encima de la mujer esta el toro. Observa sus ojos; son los únicos que miran hacia el espectador, ¿intentan decirnos algo?

Analizar y deducir

1. Observa en detalle la imagen de la madre y describe la forma (realista, geométrica, desproporcionada, fantástica, expresiva) su lengua, su boca, sus ojos, su cuello, sus pechos, sus manos…Indica qué te sugieren.

2. La figura de la madre: su cuello, su cabeza son planos, no tienen volumen, parecen como un recorte pegado al lienzo, pero si te fijas, su mano da más sensación de volumen, ¿qué introduce para dar esa impresión de fuerza y de volumen?

A través de esas deformaciones, de la simplificación de las figuras, de esa falta de color el cuadro gana en expresividad, transmite directamente ese grito de dolor que lanza la madre ante la muerte del hijo

3. ¿Qué lleva el caballo clavado en su costado?
4. Mira la lengua afilada del caballo y sus ojos redondos y pequeños, ¿qué pretende decirnos a través de esa cabeza de un ser irracional?
5. El caballo está con la cabeza totalmente girada hacia la izquierda, ¿puede una persona o un caballo girar la cabeza 180º?
6. Si fuese una figura realista, ¿podríamos ver la herradura de su pata trasera?

Esta forma de incorporar en el lienzo distintos planos de la misma realidad, es característica del cubismo, movimiento pictórico de principios del siglo XX, iniciado por Picasso y Braque.

7. Dentro de la destrucción y muerte, hay algunos elementos que plasman la ambivalencia del pintor, así, debajo de la cabeza del guerrero muerto y desmembrado coloca una herradura (símbolo de la suerte), y encima del brazo que todavía se aferra firmemente a la espada, nace una flor; ¿Qué quiere decirnos con estos símbolos?

8. Seguro que conoces la Paloma de la Paz, ¿sabrías decir quien la pintó?

Contexto

Puedes leer el texto adjunto, o buscar información, y hacer las cuestiones

1.- Busca información sobre lo que ocurrió en España en el periodo 1.936-1.939

2.- ¿Qué es Guernica, dónde esta, qué ocurrió allí la tarde del 26 de abril de 1937?

3.- ¿Quién y para qué le encargaron un mural de tales dimensiones (3,50m. x 7,77m.)

4.- ¿Dónde se celebró la Exposición Universal de 1937?

TEXTO

El 26 de abril de 1937 se produce un episodio decisivo de la guerra civil española; el bombardeo de la población vasca de Guernica por los alemanes de la Legión Cóndor al servicio del ejército franquista. Por primera vez en la Historia, una población civil es bombardeada, un hecho injustificable, ya que no se trata de un objetivo militar, sino de una población civil indefensa, compuesta, sobre todo, de mujeres, niños y ancianos, ya que los hombres luchan en el frente. Este hecho fue publicado por la prensa internacional:

"Guernica, la villa más antigua de los vascos y el centro de su tradición cultural fue completamente destruida ayer por la tarde mediante incursiones aéreas de los insurrectos. El bombardeo de esta ciudad, abierta y muy alejada del frente, requirió exactamente tres horas y cuarto, durante las cuales una poderosa flota de aviones consistentes en tres modelos de aviones alemanes, bombarderos Junkers y Heinkel y cazas Heinkel, no dejó de descargar sobre la villa bombas de 500 kilos para abajo y un número de proyectiles incendiarios de aluminio y un kilo de peso, que se ha calculado en más de 3000. Entre tanto los cazas volaban rasantes desde el centro de la población para ametrallar a aquellos elementos de la población civil que se refugiaban en los campos. Toda Guernica pronto estuvo en llamas, excepto la histórica Casa de Juntas, (...) donde solía reunirse el Parlamento vasco..."

Comentario del GUERNICA

Pablo Picasso recibe el encargo de la República española de realizar un óleo para el pabellón español de la Exposición Universal que se celebrará en París. El contexto histórico del encargo es la guerra civil española, y la participación en la Exposición da la oportunidad de mostrar al mundo esa guerra.

Sin embargo, Pìcasso no tiene claro el cuadro, el tema…. Pero se producirá un hecho que se convertirá en el detonante de esta obra maestra:

"La aviación alemana – la legión Condor – colaborando con el ejercito de los nacionales bombardea a las tres de la tarde, en un día de mercado, la ciudad vasca de Guernica. Es el primer experimento de constatar los efectos de la guerra entre la población civil…." En poco más de un mes, realizando cientos de bocetos, dibujos etc., lleva a cabo esta obra al óleo de casi 8 metros por 3,5 m ( 3,57 x 7,82). Con un estilo personal realiza un CARTEL político (neocubismo y expresionismo) sus figuras, símbolos de la tradición colectiva española, deformadas y reinterpretadas por Picasso se convierten en símbolos del dolor, la fuerza, el sufrimiento, el pánico.

Al ver el cuadro lo primero que nos impresiona es su tamaño, es inmenso y ante esa amalgama de figuras, la falta de color, el protagonismo del negro nos sentimos un poco perdidos y buscamos la única referencia que tenemos del cuadro, "Guernica", pero, por más que buscamos, no hay nada, ningún elemento identificativo que haga referencia a ese pueblo concreto, al árbol de Guernica, a la guerra civil, a España…. Puede ser cualquier pueblo o ciudad de cualquier parte del mundo.

Pero en ese deambular de nuestra mirada por el lienzo hemos ido descubriendo un orden en la composición, esta concebido como un gran tríptico: a la derecha la mujer que grita entre las llamas, en el centro el caballo, a la izquierda la maternidad doliente, además en la parte central hay un a estructura triangular marcada a la izquierda, por los perfiles de las figuras y a la derecha, por la luz que viene desde esa especie de fachada puerta que hay debajo del tejado. Dentro de esas líneas que lo estructuran hay una serie de centros de interés totalmente conectados: La mujer Símbolo de la racionalidad y el toro y el caballo, símbolos de la fiesta nacional, de la irracionalidad.

La composición piramidal acentúa la centralidad

La compartimentación, las deformaciones en piernas, pies, manos, cuellos, rostros… no hacen más que acentuar la expresión de terror y caos

Iniciando la lectura del cuadro por la derecha: La mujer que levanta los brazos y se estira intentando escapar de las llamas que la consumen, del incendio provocado por el bombardeo, su rostro se convierte en un grito de espanto, de pánico, por debajo de ella, la pierna deforme de otra mujer que se arrastra y torsiona su cuerpo hacia ese caniche que lleva otra mujer, una figura fantasmal que se está incorporando a la escena desde fuera, a través de esa ventana estrecha que le aprisiona los pechos, ya en la parte central, el candil o quinqué compite con la bombilla - ojo, la luz que ilumina los acontecimientos, pero en este caso es una luz que no ilumina la escena, sino que queda encerrada en una elipse que esta rematada por cuchillos finamente afilados, la bombilla es una "bomb…."

En línea con la bombilla el toro, enérgico y monumental, torsionado hacia delante, puede ser símbolo de muchas cosas: la piel de toro símbolo de España y del pueblo español, o de la agresividad y del fascismo, independientemente de su significado el toro mira al espectador, puede ser el elemento objetivador y acusador, nosotros, espectadores, formamos parte de de ese género humano racional que ha provocado este caos y destrucción.

Por debajo del toro, la maternidad doliente, sus pechos caen fláccidos, ya no tienen razón de ser, su cara se ha convertido en un grito, sus ojos en dos lágrimas, su lengua en un punzón acerado, no es sólo una mujer de Guernica que ha perdido a su hijo sino que se convierte en símbolo de todas las madres que pierden a sus hijos en las guerras, puede ser una madre palestina, hebrea, iraki, madre de los vencidos y también de los vencedores muertos.

Detrás, sobre una mesa una paloma, también herida de muerte, que pía.

Por debajo de la maternidad, el guerrero, que sirve de nexo con la parte central y de base de todo el lienzo, despedazado, con el brazo seccionado, pero, a pesar de ello su mano sigue agarrando firmemente la espada, un arma de otra época, que también está rota

Y encima el caballo que destripado, lanza un relincho brutal y sus ojos se convierten en dos tachuelas, es como si nos quisiese mostrar que ni siquiera los seres irracionales pueden comprender lo que ocurre a su alrededor

En medio de todo el caos, junto a la espada rota aparece una flor, ¿todavía queda la esperanza? De la muerte surge la vida, la flor es pequeña, pero nace casi de la espada, es como si nos dijese que esas arma rotas deberían convertirse en arados.

Hay otro elemento que despierta la esperanza : el quinqué, la luz del candil de aceite, el mundo tradicional traído por una mujer que rompe el ámbito tenebroso del cuadro, es la luz tradicional frente a la luz industrial, la otra mujer ha visto la luz y se dirige hacia ella con un gesto concentrado y expectante

El Guernica no es sólo un testimonio del bombardeo, ni de la guerra civil española, es algo más, es un alegato contra la barbarie, contra cualquier guerra. La ausencia de color, el negro subraya la muerte y la destrucción de los seres vivos, incluso de la civilización.

La actividad de Picasso contra la guerra dura toda su vida. Entre 1944 - 1948 pinta "El Osario", bajo la impresión que le producen las personas prisioneras en campos de concentración durante la segunda guerra mundial.

En 1949 crea una de sus imágenes más conocidas "La Paloma de la Paz" que pronto se convierte en un símbolo universal reproducida en todo tipo de carteles, insignias, pegatinas….

En 1951, durante la guerra de Corea, Picasso pinta "Matanza en Corea" cuadro en el que denuncia nuevamente las brutalidades de la guerra, inspirándose en el cuadro "Los fusilamientos del 3 de mayo" de Goya

En esa época está afiliado al Partido Comunista francés y desarrolla una intensa actividad política, participa en múltiples debates, congresos etc. a favor de la paz. En el verano de 1948 Picasso y Francoise Gilot fijan su residencia en Vallauris, en esta localidad experimenta nuevas técnicas artísticas: cerámica, grabado, adquiriendo unos talleres que tenían que convertirse en centro de formación artística. En esta ciudad se caso con Caterine Roque y allí celebró sus 80 y 90 cumpleaños recibiendo el homenaje de artistas del mundo entero. De la estrecha relación del artista con Valloris, esta ciudad le dedicó una capilla del siglo XIV, que había en la plaza del mercado, que en 1954 fue decorada por Picasso con carteles dedicados a la guerra y la paz, transformándola en El Templo de la Paz, como respuesta a la guerra de Corea

ANEXO I

Los artistas ingleses Jake & Dinos Chapman se inspiran Los Desastres de la Guerra (1810-1820) para la realización de Injury to Insult to Injury (Agravio para Insultar al Agravio, 2004) una edición completa de esta serie que reúne 80 grabados del pintor aragonés que han sido, tal y como aparece en la ficha técnica, "trabajados y mejorados" por los artistas, que han pintado sobre las caras de las figuras representadas cabezas de payasos, animales y criaturas monstruosas. Se trata de una obra nueva que nunca antes había sido expuesta al público y que sucede en el tiempo a la polémica Insult to Injury (2003), que fue realizada sobre otra edición de alto valor de esta crónica visual de los horrores ocurridos durante la invasión napoleónica de España.

La obra de Goya es también la base del grupo escultórico titulado Sex I (Sexo I, 2003), una cruda versión en bronce y a tamaño real de una de las más impactantes estampas del genio español: Grande hazaña! Con muertos! Esta pieza, que recrea el tronco seco de un árbol tomado por la muerte y la putrefacción, fue expuesta en la Tate Modern de Londres durante la nominación de los Chapman a la última edición del premio Turner.

Los hermanos Chapman pertenecen a la generación de los llamados YBAs-Young British Artists (Jóvenes Artistas Británicos), surgida a finales de los noventa en torno a la exposición Sensation y que incluyó a cuarenta y dos artistas británicos entre los que se hallaban Tracey Emin, Mona Hauton, Damien Hirst, Gary Hume, Sarah Lucas, Rachel Whiteread y Jane Simpson. Todos ellos muestran una actitud irreverente frente a una sociedad institucionalizada en la que se desenvuelven reivindicando un arte de lo depravado y lo grotesco, todo ello con un aire irónico y blasfemo que ataca los tabúes más enraizados para provocar una reflexión individual sobre el mundo.

Su obra además muestra otras cualidades; la preocupación obsesiva por la perfecta terminación de los acabados de los materiales, induciendo a la confusión deliberada, como cuando el espectador cree que el bronce pintado es vulgar plástico de un colchón de playa o barro húmedo listo para ser modelado; la manipulación e intervención de la obra de arte original, por ejemplo de una tirada controlada de la serie de los Desastres de la guerra de Goya, con lo que además de suprimir cualquier adscripción nacional o histórica de los célebres grabados, «corrigen», «amplían» y «enriquecen» la obra de uno de sus referentes básicos, no por su calidad plástica, sino por su visión descarnada de la crueldad humana; la amarga ironía, el humor negro y la desesperanza que se esconden ante el aparente desenfado y ridiculización de la obra de arte egregia, por ejemplo de uno de los más espantosos aguafuertes de la serie goyesca, convertido por los Chapman en escultura de bronce pintado a gran escala, dando la sensación de que estamos ante una versión grotesca y si para Goya la Historia es una horrenda mezcolanza de sangre y barro, como en los Fusilamientos, para los Chapman la Historia no parece conducir a ninguna salida, no merece que nos pongamos serios ante ella, sólo puede ser tratada desde la banalización, que en cierto modo es el reconocimiento del fracaso ante el ideal; la impotencia, en fin, del artista, la imposibilidad del acto creador.